L'artiste derrière chaque sculpture
« La terre ne ment pas. Elle garde la trace de chaque émotion, de chaque hésitation, de chaque moment de grâce. C’est cette vérité que je cherche à capturer. »
Je suis Michaël Ezanno, sculpteur autodidacte passionné par la représentation du corps humain et l’expression des émotions à travers la matière. Mon atelier est le lieu où naissent des sculptures uniques en grès noir, chacune portant en elle une histoire, une émotion, une présence.
Le chemin vers la sculpture
Les débuts : une rencontre avec la matière
Mon parcours n’est pas celui d’une formation académique classique. Je n’ai pas de diplôme en art, pas de passage par les Beaux-Arts. C’est une quête personnelle qui m’a amené à la sculpture : le besoin de comprendre comment exprimer ce que les mots ne peuvent pas dire.
Tout a commencé par une fascination pour le corps humain et ses infinies possibilités d’expression. Un regard, une courbe d’épaule, la tension d’une main : chaque détail raconte quelque chose de notre humanité. J’ai d’abord façonné le bois, puis la pierre, avant que l’argile et plus particulièrement le grès noir ne s’impose comme mon terrain d’expression privilégié.
Le déclic de la terre
Cette première rencontre avec la matière a tout changé. L’argile n’est pas un médium comme un autre : elle répond au toucher, elle garde la mémoire du geste, elle vous oblige à l’humilité et à la présence. J’ai compris que c’était par elle que je pourrais donner vie aux formes qui m’habitaient.
L'apprentissage par la pratique
Sans école, sans professeur, j’ai appris en faisant. Beaucoup d’échecs, de pièces qui s’effondrent, de cuissons ratées. Mais chaque erreur m’enseignait quelque chose. J’ai lu, regardé, expérimenté. J’ai visité des musées, étudié les maîtres anciens et contemporains. J’ai modelé, encore et encore, jusqu’à ce que mes mains comprennent ce que mon esprit imaginait.
Les influences
Mon travail puise dans le réalisme classique, mais cherche en à révéler une émotion résolument contemporaine. Je me nourris de la puissance et du mouvement chez Antoine Bourdelle, de la pureté des lignes d’Aristide Maillol, et de la modernité brute de René Iché. D’autres influences m’accompagnent également… comme Hans Giger, dont l’univers organique résonne particulièrement avec ma sensibilité.
Le choix du grès noir
Au fil de mes expérimentations, je me suis tourné vers le grès noir. Ce n’est pas un choix anodin : cette argile particulière, cuite à haute température (1280°C), offre une profondeur et une noblesse que je ne trouvais pas dans d’autres matériaux.
Pourquoi le grès noir ?
- Sa texture: granuleuse, tactile, vivante
- Sa couleur: du noir profond aux nuances anthracites selon les cuissons
- Sa résistance: c’est un matériau pérenne qui traverse le temps
- Sa capacité à jouer avec la lumière: les ombres et les reflets révèlent les volumes
Le grès noir est devenu ma signature. Il correspond à mon esthétique : sobre, puissant, intemporel.
Le développement de mon style
Peu à peu, j’ai trouvé ma voix artistique. Mon travail s’est concentré sur le corps humain en petit et moyen format, avec une attention particulière aux :
- Courbes et lignes: la fluidité des formes organiques
- Regards et expressions: capturer l’intensité émotionnelle
- Postures et gestes: le corps comme langage
- Détails anatomiques: mains, pieds, visages traités avec réalisme
Chaque sculpture est une exploration de l’émotion humaine : vulnérabilité, force, mélancolie, sérénité, sensualité. Je ne cherche pas la perfection technique pour elle-même, mais la justesse de l’expression.
Ce qui guide mon travail
Philosophie : l'émotion avant tout
Pour moi, une sculpture n’est pas une démonstration technique. C’est une présence, un face‑à‑face silencieux avec celui qui la regarde. Chaque pièce naît d’une émotion que je cherche à faire émerger dans la terre. Cette émotion initiale guide tout : la posture, l’expression, la tension du geste, la finition.
Je travaille avec des modèles vivants volontaires, dans une collaboration étroite où l’échange, l’écoute et la confiance sont essentiels. Ensemble, nous cherchons la justesse d’une attitude, d’un regard, d’un souffle. Leur présence nourrit mon travail et me permet de capter l’émotion au plus près, dans sa vérité la plus simple et la plus humaine.
Le processus créatif
- Tout commence par une idée : une émotion brute, une sensation, un souvenir, une image qui me traverse et s’impose.
- Vient ensuite la phase de recherche, où je précise l’intention et l’énergie que je veux transmettre.
- Puis s’ouvre le travail avec le modèle vivant. C’est une collaboration essentielle : ensemble, nous cherchons la posture juste, l’expression qui porte l’émotion, le geste qui raconte. Leur présence nourrit la sculpture dès son origine.
- Le modelage est le moment où mes mains donnent forme à cette émotion dans l’argile. J’écoute la matière : parfois elle m’emmène ailleurs, vers une vérité que je n’avais pas prévue.
- Les finitions viennent affiner cette présence : chaque détail doit renforcer l’émotion globale.
- La cuisson marque un passage décisif, un moment de transformation et d’incertitude où la pièce devient autre.
- Quant à la patine, je me la réserve comme une option, un geste final pour sublimer l’œuvre lorsque cela s’impose.
L'importance du tactile
« L’art de toucher et modeler la terre » n’est pas qu’une phrase : c’est le cœur de ma pratique. La sculpture est un art tactile. Le contact avec la matière, la résistance de l’argile, la trace des doigts : tout cela fait partie de l’œuvre finale.
Quand je transmets cet art lors de mes cours, je vois à quel point le toucher est fondamental. Nous vivons dans un monde de plus en plus virtuel ; la sculpture nous ramène au concret, au sensible, à la lenteur nécessaire de la création.
Le choix du petit format
Je travaille principalement en petit et moyen format (15 à 45 cm). Ce n’est pas un hasard :
Les sculptures intimes créent une relation particulière avec le spectateur. On peut les tenir, les observer sous tous les angles, se rapprocher des détails. C’est une échelle humaine, presque intime, qui favorise la connexion émotionnelle.
Le petit format me permet aussi de :
- Travailler chaque détail avec minutie
- Créer des séries explorant une même émotion
- Rendre mes œuvres accessibles pour les intérieurs privés
- Livrer personnellement mes sculptures sans logistique complexe
Pièces uniques
Principe fondamental : Chaque pièce est unique, modelée entièrement à la main, sans moule ni reproduction. C’est un engagement artistique et éthique.
Pourquoi ?
- Chaque sculpture naît d’une émotion spécifique à un instant T
- Le collectionneur acquiert une vraie exclusivité
- Cela me pousse à toujours explorer de nouvelles formes
Cette rareté fait partie intégrante de la valeur de mes œuvres.
Ma signature artistique
1. Autodidacte assumé
Je ne cache pas mon parcours non académique. C’est même ce qui fait la spécificité de mon approche. N’ayant pas été formaté par une école, j’ai développé une vision personnelle, libre des codes établis. Mon apprentissage par la pratique m’a donné une relation intime avec la matière que j’enseigne aujourd’hui à mes élèves.
Avantage : Une pédagogie basée sur l’expérience concrète, pas sur la théorie.
2. Spécialisation grès noir
Alors que beaucoup d’artistes explorent différents matériaux, je me suis concentré exclusivement sur le grès noir. Cette spécialisation me permet :
- Une maîtrise approfondie du matériau et de ses subtilités
- Un style immédiatement identifiable
- Une cohérence dans l’ensemble de mon œuvre
Le grès noir est ma langue artistique.
3. Le corps comme seul sujet
Je ne sculpte que le corps humain. Pas de paysages, pas d’abstractions pures. Cette concentration me permet d’explorer en profondeur toutes les nuances de la forme humaine et de l’émotion qu’elle peut transmettre.
Thématiques récurrentes :
- Le féminin : courbes, grâce, force tranquille
- Le masculin : tension, équilibre, vulnérabilité
- Les visages : intensité du regard, expression pure
- Les mains et les pieds : détails anatomiques chargés de sens
4. Accompagnement personnalisé
Je ne suis pas seulement l’artiste qui crée, je suis aussi celui qui :
- Conseille sur le choix d’une œuvre selon votre espace et sensibilité
- Livre personnellement mes sculptures pour garantir leur intégrité
- Accompagne les projets de commande personnalisée de A à Z
- Reste disponible après l’acquisition pour tout conseil
5. Transmission et partage
Au-delà de la création, j’ai à cœur de transmettre mon savoir-faire. Les cours et stages que je propose ne sont pas annexes : ils font partie intégrante de ma démarche artistique. Partager le plaisir du modelage, voir mes élèves créer, c’est une source de joie et de renouvellement.
6. Approche éthique et locale
- Production raisonnée: Je crée à mon rythme, sans surproduction
- Circuit court: Vente directe, sans galerie intermédiaire (sauf expositions ciblées)
- Livraison personnelle: Réduction de l’empreinte carbone et garantie de qualité
- Matériaux sourcés: Argile et matériaux de fournisseurs locaux quand possible
Le lieu de création
Mon atelier est plus qu’un espace de travail : c’est le cœur de ma pratique artistique et le lieu où je reçois ceux qui souhaitent découvrir mes sculptures ou apprendre la technique.
L'espace
Un lieu lumineux où se côtoient :
L'espace de modelage
Tables de travail, sellettes, outils
La zone de stockage et séchage
Où les sculptures attendent patiemment leur cuisson
Le four professionnel
Pour la cuisson haute température du grès
L'espace d'exposition
Où mes œuvres disponibles sont présentées
Le coin atelier-cours
Aménagé pour accueillir mes élèves
L'ambiance
Je cultive une atmosphère de calme et de concentration, tout en restant accueillant. L’odeur de la terre, la lumière pensée pour l’exposition comme pour la création : l’atelier devient un véritable cocon créatif.
Visites
L’atelier est ouvert sur rendez-vous pour :
- Découvrir les sculptures disponibles
- Discuter d’un projet de commande
- Rencontrer l’artiste et comprendre le processus
- Participer aux cours et stages
Je crois à l’importance de la rencontre. Voir une sculpture en photo et la voir en personne, ce n’est pas la même expérience. L’atelier permet cette rencontre essentielle.
Ce en quoi je crois
Authenticité
Dans un monde saturé d’images et de productions de masse, je défends l’authenticité de la création manuelle, unique, imparfaite. Mes sculptures portent la trace de mes doigts, de mes hésitations, de mes décisions artistiques. C’est cette imperfection humaine qui en fait leur beauté.
Accessibilité de l'art
L’art ne doit pas être réservé à une élite. C’est pourquoi :
- Mes tarifs sont justes et transparents
- J’enseigne à ceux qui veulent apprendre
- Je prends le temps d’expliquer mon processus
- Je rends l’acquisition d’œuvres accessible (différentes gammes de prix)
Lenteur créative
Je refuse la logique de productivité à tout prix. Chaque sculpture demande le temps qu’elle demande. Certaines naissent vite, d’autres mettent des semaines à trouver leur forme. Je respecte ce rythme.
Connexion émotionnelle
Une sculpture sans émotion est un objet vide. Je ne crée que ce qui me touche vraiment, et je ne vends qu’à ceux avec qui l’œuvre résonne.
Où je suis, où je vais
Aujourd’hui : Je partage mon temps entre :
- La création de nouvelles sculptures dans mon atelier
- Les commandes personnalisées pour des collectionneurs
- L’enseignement à travers cours et stages
- Les expositions en galeries et événements artistiques
- Le développement de ma présence en ligne pour toucher un public plus large
Vision pour l’avenir : Continuer à créer des œuvres qui touchent, à transmettre mon art, à développer des collaborations avec d’autres artistes et galeries, tout en gardant cette authenticité et cette relation directe avec ceux qui apprécient mon travail.
Entrons en contact
Maintenant que vous connaissez mon parcours et ma démarche, peut-être ressentez-vous l’envie de :
- Voir mes sculptures en personne
- Discuter d’un projet de commande
- Vous inscrire à un cours
- Simplement échanger sur l’art de la sculpture
Mon atelier est ouvert, ma porte aussi.
Travail avec de vrais modèles – Et pourquoi pas vous ?
Dans la plupart de mes séries, les sculptures naissent d’une observation directe et d’une collaboration avec des personnes réelles.
Je travaille régulièrement avec des modèles qui acceptent de poser pour capturer une posture, une expression ou une attitude spécifique. Dans des projets comme Les Déesses Déchues, les modèles choisissent eux-mêmes la pose et l’expression qu’ils souhaitent transmettre, ce qui enrichit le dialogue artistique.
Pour Intime, la démarche est participative : la personne s’appuie sur une proposition de mots, et choisit celui qui deviendra le fil conducteur de la création. Un mot‑source, un mot‑boussole, qui oriente la naissance de la pièce.
Je privilégie des séances simples, respectueuses et professionnelles, sans recours à des mannequins institutionnels. L’objectif est de traduire une présence authentique dans la matière, en respectant pleinement le confort et les limites de chacun.
Si vous êtes intéressé·e par l’expérience de poser pour une sculpture (ou simplement curieux·se d’en discuter), contactez-moi. Nous pouvons échanger sur le processus, les conditions et voir si cela correspond à vos envies. Aucun engagement préalable n’est requis.